Eugenio Ampudia, artista de reconocimiento internacional con exposición en Segovia, en Metrópolis

• El programa repasa la trayectoria del artista vallisoletano desde sus inicios en el arte participativo y el vídeo hasta su exposición actual en el Palacio Quintanar de Segovia
• Su obra polisémica es capaz de llegar a todo tipo de públicos
• Eugenio Ampudia, se emite el miércoles 4 de octubre a las 00.55h en La 2

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Metrópolis dedica un programa monográfico a Eugenio Ampudia (Melgar, Valladolid, 1958) artista cuya obra ha sido rompedora mucho antes de que los nuevos formatos fuesen incorporados en el mercado del arte nacional. Su trabajo indaga, bajo una actitud crítica, sobre los procesos y el mercado artístico, el creador como gestor de ideas y agente de cambio social, el significado de la obra de arte, sus mecanismos de producción, promoción y consumo o la eficacia de las instituciones artísticas. Ha recibido el Premio AECA al mejor artista español vivo representado en ARCO18 – que ya obtuvo en 2008-, y el Premio ARCO-BEEP, Colección de Arte Electrónico. También en 2008, la beca The Delfina Foundation (Londres).

Concierto para el bioceno (2020) cropper

Arte público y la interacción con el espectador

El propósito de Eugenio Ampudia es contar cosas a los demás, saber lo más urgente que quiere transmitir y plantearse cómo hacerlo utilizando el sistema del arte. Sostiene que hay cosas que solo se pueden contar en el sitio donde está la gente, por ello ha lanzado mensajes en la calle en diversas ciudades: ha quemado Madrid proyectando llamas sobre el mítico edificio de Gran Vía 1 (Fuego frío, 2009), evacuado la capital reactivando la Puerta de Alcalá y repartiendo 11.300 certificados a ciudadanos que al pasar encendían 50.000 vatios de luz (Evacuad Madrid, 2008) o pedido auxilio por la crisis climática desde el Panteón de los Hombres Ilustres de Lisboa iluminando todas sus ventanas a la vez con la llamada de socorro S.O.S en código morse (Salvai as Nossas Almas, 2022).

WORSTATION (2012)

En su obra es fundamental el papel que ocupa el espectador: “dejarle sitio y no tratar de colonizarle, sino entablar una conversación de igual a igual desde un punto de vista íntimo me parece lo más coherente que puedo hacer”. En 2015 realizó una pieza site specific para Matadero Madrid donde pretendía hablar de cómo funciona la comunicación hoy en día. Para ello, construyó un lago oscuro en el que se reflejaba, como un espejo, la sala quemada de Abierto x Obras y a sus visitantes. Había una pasarela de madera por la que el público podía pasar y observar el agua estancada y, de vez en cuando, vibrante. Esto se debía a que dio a los visitantes la posibilidad de que interviniesen la obra a través de un número de teléfono para generar ondas y distorsionar el reflejo. El título “Una innecesaria mancha en el silencio y en la nada” es una frase dicha por Samuel Beckett sobre su propio trabajo en 1969.

Museum and Space (2011)

Temas recurrentes y la importancia del contexto

Entre sus temáticas más recurrentes, tratadas con ironía, destacan: el tiempo en toda su amplitud filosófica, práctica y sociológica (Tiempo, 2008; Nuestro destino era el presente, 2021 o Sostener el infinito en la palma de la mano, 2018) ; la comunicación como paradigma de la sociedad actual (Try not to think so much, 2018; Una innecesaria mancha en el silencio y en la nada, 2018) y la reflexión sobre el mundo del arte (Rendición, 2006; Impression soleil levant, 2007; Dibujos encapsulados, 2015), el papel del artista (El sueño de todo artista, 2000; El perro de Tonetty, 2006 Workstation, 2012) y la recepción de la obra por parte del espectador (Collectors, 2009; Hámster, 2006).

El contexto es muy importante en su trabajo, no piensa que las obras funcionen para siempre, sino que caducan, aunque también se pueden actualizar y adquirir nuevos sentidos que respondan al momento. Es lo que ha hecho con una de sus últimas obras Refugio, 2023, expuesta en la última edición de Arco, en la que deconstruye el Guernica de Picasso para convertirlo en un habitáculo de unos 4 metros cuadrados que podría ser la vivienda de una familia en un campo de refugiados.

Como si no hubiera pasado nada, en el Palacio Quintanar de Segovia

Comisariada por Blanca de la Torre, condensa el trabajo de los últimos 20 años enfocado en un interés muy concreto: la relación inter-especies y una cosmovisión anti-antropocéntrica. El título lo toma la comisaria del poeta Adam Zagajewski como una bonita metáfora para invitar a pensar la idea del fin del mundo en la situación insostenible del día de hoy.

Paisajes españoles (2019)

La muestra se divide en cinco espacios, con discursos conceptuales diferentes, que han denominado cámaras para hacer referencia al palacio como configurador del gusto y narrativas hegemónicos. El primero es una panorámica sintética sobre las principales causas de la crisis ecosocial del momento, como la obsesión como el progreso o la especulación (Paisajes españoles, 2019; Kicking Rights Cup 2022); el segundo aborda la necesidad de un cambio de paradigma y de cuestionar la superioridad humana frente a otras especies (Concierto para el bioceno, 2020; A Gloriuos accident, 2020).

A Gloriuos accident (2020)

El tercero apela a la construcción de otras cosmovisiones que reemplacen a las que tenemos hoy en día (Interlocutores válidos, 2001; Somos aquello que dejamos de ser, 2023); el cuarto se refiere a cómo las instituciones culturales y artísticas no pueden ignorar sus competencias ecosociales (Museum and Space, 2011; Prado GP 2008; Dónde dormir 2008-2018); el último espacio cumple una función de conclusión y de mostrar los procesos de trabajo del artista a través de bocetos y dibujos que realizó en su mayor parte durante la pandemia.

El vídeo de cierre, Ode to Joy 2023, un conjunto de viejas cacerolas recogedoras de agua, pone el foco en la cotidianidad y los pequeños gestos necesarios para cambiar el mundo, al tiempo que alude a una Europa con goteras que no nos protege del todo.